Γυναίκες που σημάδεψαν την ιστορία της τέχνης

Για αιώνες η ιστορία της τέχνης γράφτηκε κυρίως με ανδρικά ονόματα. Κι όμως, μέσα σε αυτή τη μακρά αφήγηση υπήρξαν γυναίκες που δημιούργησαν με πάθος, τόλμη και επιμονή, αφήνοντας το δικό τους ανεξίτηλο αποτύπωμα στον κόσμο της τέχνης. Γυναίκες που χρειάστηκε να παλέψουν όχι μόνο για να δημιουργήσουν, αλλά και για να ακουστεί η φωνή τους. Άλλες υποτιμήθηκαν, άλλες παραμερίστηκαν και άλλες έμειναν για χρόνια σχεδόν ξεχασμένες. Σήμερα, όμως, η ιστορία αρχίζει σιγά-σιγά να τις φωτίζει ξανά, αποδίδοντάς τους την αναγνώριση που για πολύ καιρό τους στερήθηκε.
Με αφορμή την Ημέρα της Γυναίκας,το Art22 παρουσιάζει κάποιες από τις σημαντικότερες γυναίκες ζωγράφους και καλλιτέχνιδες που, με το έργο και την προσωπικότητά τους, διαμόρφωσαν την πορεία της τέχνης και άνοιξαν δρόμους για τις δημιουργούς που ακολούθησαν.

Sofonisba Anguissola: Αυτοπροσωπογραφία, 1560

Sofonisba Anguissola (1532–1625)
Η Ιταλίδα ζωγράφος της Αναγέννησης, Η  Σοφονίσμπα Ανγκουίσσολα, έγινε γνωστή για τα πορτρέτα της ευρωπαϊκής αριστοκρατίας. Ως ζωγράφος της αυλής του  Φιλίππου Β’ της Ισπανίας, επέδειξε όχι μόνο καλλιτεχνικό ταλέντο αλλά και την ικανότητα να ξεπερνά τα κοινωνικά όρια. Η Ανγκουίσσολα άνοιξε το δρόμο για πολλές μεταγενέστερες γυναίκες καλλιτέχνιδες. Ήταν σε βαθιά γεράματα όταν δέχτηκε την επίσκεψη του Άντονι Βαν Ντάικ, με τον οποίο είχαν πολύτιμες συνομιλίες για τη ζωγραφική. Μάλιστα ο Φλαμανδός καλλιτέχνης ισχυρίστηκε ότι η συζήτησή τους του δίδαξε περισσότερα για τις «αληθινές αρχές» της ζωγραφικής από οτιδήποτε άλλο στη ζωή του.

Sofonisba Anguissola: Οικογενειακό πορτραίτο, Minerva, Amilcare και Asdrubale Anguissola, περ.1559

Sofonisba Anguissola: Οι αδελφές της καλλιτέχνιδας απεικονίζονται στο παιχνίδι σκακιού, 1555. Εθνικό Μουσείο στο Πόζναν

Artemisia Gentileschi: Αυτοπροσωπογραφία ως λαουτίστας, 1615–1617

Artemisia Gentileschi (1593–1653)
Η Αρτεμίσια Τζεντιλέσκι, μαθήτρια του Καραβάτζιο,  ​​είναι μια από τις πρώτες γυναίκες που μπόρεσαν να επιβληθούν στον ανδροκρατούμενο κόσμο του Μπαρόκ. Τα έργα της, όπως το «Η Ιουδήθ αποκεφαλίζει τον Ολοφέρνη», απεικονίζουν δυναμικές γυναικείες φιγούρες που αντιπροσωπεύουν το θάρρος και την αυτοδιάθεση. Χρησιμοποίησε τη ζωγραφική για να επεξεργαστεί προσωπικά και κοινωνικά θέματα και σήμερα θεωρείται σύμβολο γυναικείας δύναμης και δημιουργικότητας στην ιστορία της τέχνης. Εκτός από το ταλέντο στη ζωγραφική εισέπραξε θαυμασμό  για την τόλμη της να οδηγήσει στα δικαστήρια το δάσκαλό της κατηγορώντας τον για βιασμό.

Artemisia Gentileschi: Αφροδίτη και Έρωτας, περ. 1625–1630 Μουσείο Καλών Τεχνών της Βιρτζίνια

Artemisia Gentileschi: Ιαήλ και Σισάρα

Berthe Morisot: Berthe Morisot, με ένα μπουκέτο βιολέτες – έργο του Edouard Manet Google Art Project 

Berthe Morisot (1841–1895)
Η Μπερτ Μορισό ήταν μία από τις λίγες γυναίκες στον κύκλο των ιμπρεσιονιστών.  Ζωγράφισε σκηνές της αστικής ζωής με μια ευαισθησία που σπάνια αναγνωριζόταν εκείνη την εποχή, αλλά τώρα έχει εξασφαλίσει τη θέση της στην ιστορία της τέχνης.
Οι πίνακες της συχνά περιγράφονταν από τους άνδρες κριτικούς ως γεμάτοι «γυναικεία γοητεία», σημειώνοντας την κομψότητα και την ανεμελιά τους. Το 1890, η Μορισό έγραψε σε ένα σημειωματάριο για τους αγώνες της να την πάρουν στα σοβαρά ως καλλιτέχνη: «Δεν νομίζω ότι υπήρξε ποτέ άντρας που να αντιμετώπισε μια γυναίκα ως ίση και αυτό είναι το μόνο που θα ζητούσα, γιατί ξέρω ότι αξίζω όσο αυτοί». Η Μπερτ Μορισό ήταν παντρεμένη με τον Εζέν Μανέ, αδελφό του φίλου και συναδέλφου της Εντουάρ Μανέ.

Berthe Morisot: Γυναίκα και παιδί στο μπαλκόνι (Femme et enfant au balcon), 1872, Μουσείο Artizon, Τόκιο

Μπερτ Μορισό: Χωράφι με σιτηρά, 1875, Μουσείο Ορσέ

Judith Jans Leyster: Αυτοπροσωπογραφία με ψάθινο καπέλο

Judith Jans Leyster  (1609 – 1660)
Η Τζούντιθ Γιάνσντρ Λέιστερ γεννήθηκε στο Χάαρλεμ. Στην αρχή της καριέρας της επηρεάστηκε από τους οπαδούς του Καραβάτζιο γεγονός που φανερώνεται       στη χρήση αντιθέσεων φωτός και σκιάς σε πολλά έργα της. Πιθανολογείται ότι υπήρξε μαθήτρια του Φρανς Χαλς.  Ήταν μέλος της συντεχνίας του Χάαρλεμ και γύρω στα 1635 είχε τρεις μαθητές, γεγονός που υποδηλώνει ότι θεωρούνταν διάσημη καλλιτέχνιδα. Το 1636 παντρεύτηκε τον ζωγράφο Γιαν Μίνσε Μόλεναερ, (μαθητής κι αυτός του Φρανς Χαλς).  Ήταν μια από τις λίγες επαγγελματίες γυναίκες ζωγράφους της Χρυσής Ολλανδικής Εποχής.

Judith Jans Leyster: Αυτοπροσωπογραφία σε ηλικία δεκαέξι ετών

Judith Jans Leyster: Αυτοπροσωπογραφία με την κόρη της, Τζούλι

Mary Cassatt 1914

Mary Stevenson Cassatt (1844–1926)
Η Αμερικανίδα ιμπρεσιονίστρια Μαίρη Κάσατ έζησε και εργάστηκε στο Παρίσι, όπου ζωγράφιζε κυρίως σκηνές από την οικογενειακή ζωή. Οι λεπτεπίλεπτες, ποιητικές απεικονίσεις της μητέρας και των παιδιών εκφράζουν καθημερινές στιγμές με εντυπωσιακό τρόπο. Η Κάσατ απέδειξε ότι η γυναικεία οπτική γωνία και η οικειότητα μπορούν να προσδώσουν ένα νέο βάθος στην τέχνη.

Paula Modersohn-Becker (1876–1907)
Η Πάουλα Μόντερσον-Μπέκερ θεωρείται σημαντική Γερμανίδα ζωγράφος του Εξπρεσιονισμού. Ιδιαίτερα οι αυτοπροσωπογραφίες της και οι απεικονίσεις του γυναικείου σώματος ήταν ριζοσπαστικά και προκλητικά για την εποχή τους. Σήμερα εκτιμάται ως μια βασική φυσιογνωμία της σύγχρονης γερμανικής τέχνης, της οποίας το έργο συνδυάζει την αυθεντικότητα και το συναισθηματικό βάθος.

Mary Cassatt: Νεαρή Γυναίκα με Μαύρο και Πράσινο Καπέλο, κοιτάζοντας χαμηλά

Mary Cassatt: Διαβάζοντας τη “Le Figaro” της Μαίρυ Κάσσατ (1878), Συλλογή Eric de Spoelberch, Χέιβερφορντ, Πενσυλβάνια

Georgia O’Keeffe

Georgia Totto O’Keeffe (1887–1986)
Γνωστή ως η «Μητέρα του Αμερικανικού Μοντερνισμού», η Τζόρτζια Ο’Κιφ δημιούργησε μεγάλου μεγέθους πίνακες με λουλούδια και αφηρημένα τοπία που διακρίνονταν για τη σαφή μορφολογική τους γλώσσα και τα έντονα χρώματα. Η Ο’Κιφ βοήθησε τη μοντέρνα τέχνη να βρει νέα μέσα έκφρασης και έδειξε ότι οι γυναίκες καλλιτέχνιδες μπορούν να είναι εξίσου πρωτοπόρες με τους άνδρες συναδέλφους τους.

Georgia O’Keeffe: Από το βιβλίο της εκατό λουλούδια

Georgia O’Keeffe: Ερωτικά λουλούδια

Tamara de Lempicka 

Tamara de Lempicka (1894–1980)
Η Tamara de Lempicka ήταν ένα σύμβολο της Art Deco. Τα στυλιζαρισμένα πορτρέτα γυναικών στην αίγλη των δεκαετιών του 1920 και του 1930 αντανακλούν κομψότητα, νεωτερικότητα και αυτοπεποίθηση. Τα έργα της Lempicka δείχνουν πώς η τέχνη και η μόδα, η ατομικότητα και το κοινωνικό στυλ μπορούν να συγχωνευθούν. Πολωνοαμερικανίδα ζωγράφος Art Deco, γνωστή για το ιδιαίτερο στυλ της και τα λαμπερά πορτρέτα της. Γεννημένη το 1894 στη Βαρσοβία, έγινε γνωστή τις δεκαετίες του 1920 και του 1930 στο Παρίσι. Το έργο της χαρακτηρίζεται από έντονα χρώματα, ακριβείς γεωμετρικές φόρμες και αισθησιακές απεικονίσεις της ελίτ. Τα θέματα της Lempicka ήταν συχνά πλούσιοι αριστοκράτες και διασημότητες, αποτυπωμένοι σε μια κομψή, μοντέρνα αισθητική που ενσάρκωνε την εποχή της τζαζ. Παρά τις προκλήσεις που αντιμετώπισε ως γυναίκα καλλιτέχνης, η Lempicka σημείωσε διεθνή επιτυχία και αναγνώριση. Η κληρονομιά της συνεχίζει να επηρεάζει τη σύγχρονη τέχνη και τη μόδα και να εμπνέει νέες γενιές καλλιτεχνών.

Tamara de Lempicka

Tamara de Lempicka 

Frida Kahlo: Αυτοπροσωπογραφία με βελούδινο φόρεμα, 1926

Frida Kahlo (1907–1954)
Η Φρίντα Κάλο , η εμβληματική Μεξικανή ζωγράφος, είναι γνωστή για τα πολύχρωμα και βαθιά προσωπικά αυτοπορτρέτα της, όπως η «Σπασμένη Στήλη». Τα έργα της ασχολούνται με τον σωματικό πόνο, την ψυχολογική δυσφορία και την προσωπική ταυτότητα. Η τέχνη της Φρίντα αποτελεί έκφραση θάρρους, πάθους και αυθεντικότητας που συνεχίζει να εμπνέει εκατομμύρια ανθρώπους σήμερα. Αν και ως παιδί έπασχε από πολιομυελίτιδα, ήταν μια πολλά υποσχόμενη φοιτήτρια που πήγαινε στην ιατρική σχολή μέχρι που τραυματίστηκε σε ατύχημα με λεωφορείο στην ηλικία των 18 ετών, το οποίο της προκάλεσε πόνους και ιατρικά προβλήματα που θα διαρκούσαν μια ζωή. Κατά τη διάρκεια της ανάρρωσής της, επέστρεψε στο παιδικό της ενδιαφέρον για την τέχνη με την ιδέα να γίνει καλλιτέχνης.
Τα ενδιαφέροντα της Κάλο για την πολιτική και την τέχνη την οδήγησαν να ενταχθεί στο Μεξικανικό Κομμουνιστικό Κόμμα το 1927 ] μέσω του οποίου γνώρισε το σύζυγό της Μεξικανό καλλιτέχνη Ντιέγκο Ριβέρα.

Frida Kahlo: Στο λεωφορείο, 1929

Frida Kahlo: Αστικο τοπίο, 1925

Πιθανώς πορτρέτο της Κλάρα Πίτερς, άγνωστης καλλιτέχνιδας,

Clara Peeters, (1594 – 1636)
Ενώ οι ακριβείς λεπτομέρειες σχετικά με τη ζωή της είναι σπάνιες. Πιθανότατα το πατρικό της επώνυμο ήταν Λάμπερτς, οικογένεια Φλαμανδών καλλιτεχνών του Μέχελεν. Το 1605, παντρεύτηκε τον συνάδελφό της ζωγράφο Χένρικ  Πίτερς. Η Peeters κατατάσσεται στους πρώτους εξειδικευμένους ζωγράφους νεκρών φύσεων και λουλουδιών, δουλεύοντας αυτό το είδος ενώ ήταν ακόμη σε εξέλιξη. Λιγότεροι από δέκα πίνακες με λουλούδια και λιγότεροι από πέντε με τρόφιμα που παράγονταν στην Ολλανδία μπορούν να χρονολογηθούν πριν από το 1608, όταν ζωγράφισε το πρώτο της καταγεγραμμένο έργο. Οι μελετητές πιστεύουν ότι η Peeters ήταν μαθήτρια του Osias Beert, ενός γνωστού ζωγράφου νεκρών φύσεων από την Αμβέρσα.

Clara Peeters: Νεκρή ΦύσηΚλαρα Πίτερς

Clara Peeters: Κλάρα Πίτερς, Νεκρή φύση με ψάρι και γάτα, μετά το 1620· Εθνικό Μουσείο Γυναικών στις Τέχνες, Δωρεά των Γουάλας και Βιλχελμίνα Χόλαντε

Rosa Bonheu με ταύρο

Rosa Bonheur (1822 – 1899)
Ανήκει στις καλλιτέχνιδες που απέκτησαν αναγνωρισιμότητα και δημοφιλία κατά τη διάρκεια της ζωής τους. Η φήμη της οφείλεται κυρίως σε πίνακες με απεικονίσεις ζώων. Η Bonheur ήταν μια σχολαστική καλλιτέχνιδα που επισκεπτόταν σφαγεία και αγορές ζώων για να κατανοήσει τα σώματα που αναδημιούργησε σε καμβά. Στο Παρίσι πέρασε 18 μήνες επισκεπτόμενη  εκθέσεις αλόγων και ζωγραφίζοντας με βάση τη φύση, προκειμένου να δημιουργήσει έναν από τους πιο διάσημους πίνακές της. Φόρεσε παντελόνι για να είναι πιο άνετη και αναγκάστηκε να ζητήσει ειδική άδεια από την αστυνομία για να το κάνει! Το πορτρέτο ενός λιονταριού, το El Cid , είναι ένας από τους λίγους πίνακες γυναικών που ανήκουν στη μόνιμη συλλογή του Μουσείου Prado της Μαδρίτης.

Rosa Bonheu: Κεφάλι λιονταριού, Μουσείο Prado Μαδρίτη

Rosa Bonheu: Iσπανοί αγωγιάτες διασχίζουν τα Πυρηναία, 1875

Adélaïde Labille-Guiard: Αυτοπροσωπογραφία, μικρογραφία

Adélaïde Labille-Guiard (1749–1803)
Ξεκίνησε τις σπουδές της στο εργαστήριο ενός μινιατουρίστα και στη συνέχεια εντάχθηκε στην παρισινή συντεχνία, την Académie de Saint-Luc. Το 1774,   παρουσίασε μια μικρογραφία και ένα παστέλ στην έκθεση της συντεχνίας. Ήταν έμπειρη σε μια ποικιλία υλικών, είχε εκθέσει δύο φορές στο Salon de la Correspondance και διετέλεσε δασκάλα επίδοξων νέων γυναικών καλλιτεχνών.   Το 1783, έγινε δεκτή στη Βασιλική Ακαδημία Ζωγραφικής και Γλυπτικής. Ως   εκλεγμένη ακαδημαϊκός προσπάθησε να αυξήσει τον αριθμό των εγγεγραμμένων γυναικών και να προωθήσει τα ταλέντα και τη θέση τους στην ακαδημία.

Adélaïde Labille-Guiard: Αυτοπροσωπογραφία με δύο μαθητριες

Adélaïde Labille-Guiard: Ελισάβετ Φιλίπ Μαρία Ελένη της Γαλλίας, γνωστή ως Μαντάμ Ελισάβετ

Marie-Gabrielle Capet: Αυτοπροσωπογραφία, 1790,

Capet, Marie Gabrielle, (1761-1818)
Ήταν Γαλλίδα νεοκλασική ζωγράφος. Η καλλιτεχνική της εκπαίδευση είναι άγνωστη. Το 1781 μαθήτευσε στη ζωγράφο Αδελαΐδα Λαμπίλ-Γκιάρ στο Παρίσι. Διακρίθηκε ως προσωπογράφος και τα έργα της περιλαμβάνουν ελαιογραφίες, ακουαρέλες και μινιατούρες. Το 1925, ένας μικρός πίνακας της εξαφανίστηκε από το Μουσείο Καλών Τεχνών στην Καέν. Ο πίνακας ξεχάστηκε αλλά ανακτήθηκε συμπωματικά σε δημοπρασία του 2012. Αυτή η τυχαία ανακάλυψη και η επακόλουθη μεγάλη έκθεση των σωζόμενων έργων της Καπέτου λειτούργησαν ως καταλύτες για την αποκατάσταση της φήμης της, η οποία, όπως και η μικρογραφία, είχε σε μεγάλο βαθμό ξεχαστεί μετά τον θάνατό της.

Marie-Gabrielle-Capet: Το εργαστήριο της κυρίας Βίνσεντ (1808)

Marie Gabrielle Capet: Μελέτη μιας καθιστής γυναίκας

Πορτρέτο της Αντζέλικα Κάουφμαν από τον Βρετανό καλλιτέχνη Ναθάνιελ Ντανς-Χόλαντ (1764)

Angelica Kauffman (1741 – 1807)
Ήταν σημαντική ζωγράφος του νεοκλασικισμού. Γεννημένη στην Ελβετία και χαρακτηρίστηκε ως παιδί θαύμα. Δραστηριοποιήθηκε κυρίως στη Ρώμη και το Λονδίνο και έγινε γνωστή για ιστορικές και μυθολογικές σκηνές με ένα πολύ προσωπικό ύφος. Υπήρξε ιδρυτικό μέλος της Royal Academy of Arts στο Λονδίνο και μία από τις πιο αναγνωρισμένες γυναίκες καλλιτέχνιδες του 18ου αιώνα. Σε ηλικία 23 ετών εξελέγη μέλος της Ρωμαϊκής Ακαδημίας του Αγίου Λούκα. Στο Λονδίνο κάθε χρόνο εξέθετε ιστορικούς πίνακες στις επιδραστικές εκθέσεις της Βασιλικής Ακαδημίας, επιδεικνύοντας την πολυμάθειά της απεικονίζοντας σκηνές από ένα ευρύ φάσμα μυθολογικών, λογοτεχνικών και ιστορικών πηγών.

Angelica Kauffman: Σχέδιο (1778–80), λάδι σε καμβά, 126 × 148,5 εκ. Βασιλική Ακαδημία Τεχνών, Λονδίνο.

Angelica Kauffman: Η Θλίψη του Τηλέμαχου (1783), λάδι σε καμβά, 83,2 x 114,3 εκ. Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης, Νέα Υόρκη

Plautilla Nelli Θρήνος

Plautilla Nelli, (1524–1588)
Η Πλαυτίλα Νέλλη ενέπνευσε την ίδρυση του οργανισμού Advancing Women Artists. Εργάστηκε στη Φλωρεντία και ήταν η πρώτη γνωστή γυναίκα καλλιτέχνης της Φλωρεντίας. Μοναχή σε ηλικία 14 ετών, η Πουλισένα Μαργαρίτα Νέλι έγινε «Suor Plautilla» όταν εισήλθε στο δομινικανικό μοναστήρι της Santa Caterina da Siena το 1538. Κόρη εμπορικής οικογένειας, η Νέλι συναναστρεφόταν με εξέχοντες άνδρες ζωγράφους της εποχής της και ήταν γνωστή για τη λειτουργία ενός εργαστηρίου εντός του μοναστηριού της. Η Νέλι ήταν μια από τις λίγες γυναίκες ζωγράφους που αναφέρονται από τον Τζόρτζιο Βαζάρι στους «Βίους Καλλιτεχνών» του και ήταν γνωστό ότι κληρονόμησε τα σχέδια του Φρα Μπαρτολομέο.  Ο Βαζάρι γράφει ότι «υπήρχαν τόσοι πολλοί πίνακές της σε σπίτια κυρίων στη Φλωρεντία, που θα ήταν κουραστικό να τους αναφέρω όλους». 

Plautilla Nelli: Ο Μυστικός Δείπνος, μια ελαιογραφία σε καμβά διαστάσεων 7×2 μέτρων στη Βασιλική της Santa Maria Novella

Plautilla Nelli: Αγία Αικατερίνη εν προσευχή

Η Θάλεια Φλωρά-Καραβία στο εργαστήριο της. Φωτογραφία, Οικογενειακό αρχείο της ζωγράφου

Θάλεια Φλωρά Καραβία (1871 – 1960)
Γεννήθηκε στη Σιάτιστα. Το 1874 εγκαταστάθηκε με την οικογένειά της στην Κωνσταντινούπολη, όπου σπούδασε στο Ζάππειο Παρθεναγωγείο. Μετά την αποφοίτησή της εργάστηκε για ένα χρόνο σαν δασκάλα, η κλίση της όμως στη ζωγραφική την οδήγησε το 1895 στο Μόναχο, όπου σπούδασε σε ιδιωτικές σχολές και μαθήτευσε κοντά στον Νικόλαο Βώκο, τον Γεώργιο Ιακωβίδη, τον Νικόλαο Γύζη, τον Paul Nauen, τον Anton Azbe, τον Walter Thor και τον Φερ. Μετά την οριστική επιστροφή της εξακολούθησε να ταξιδεύει σε διάφορες πόλεις της Ευρώπης και το 1907, σε ένα ταξίδι της στην Αίγυπτο, παντρεύτηκε το δημοσιογράφο Νικόλαο Καραβία. Παραμένοντας στην Αλεξάνδρεια τριάντα χρόνια, ανέπτυξε πλούσια καλλιτεχνική δραστηριότητα και ίδρυσε Καλλιτεχνική Σχολή που διηύθυνε η ίδια.
Στον πόλεμο του 1912-1913 παρακολούθησε από κοντά τις επιχειρήσεις του ελληνικού στρατού κρατώντας ημερολόγιο και αποτυπώνοντας διάφορα στιγμιότυπα, τα οποία εξέδωσε το 1936 σε βιβλίο με τίτλο «Εντυπώσεις από τον πόλεμο του 1912-1913. Μακεδονία-Ήπειρος». Παρακολούθησε επίσης τη Μικρασιατική Εκστρατεία και τις επιχειρήσεις στο αλβανικό μέτωπο, απεικονίζοντας τη ζωή των στρατιωτών, τοποθεσίες και μνημεία.

Θάλεια Φλωρά Καραβία: Προσωπογραφία Ι. Καραβία

Θάλεια Φλωρά Καραβία: Η ηθοποιός Κυβέλη

Θάλεια Φλωρά Καραβία: Από το Μέτωπο

Πορτρέτο της Σοφίας Λασκαρίδου από τη Θάλεια Φλωρά – Καραβία

Λασκαρίδου Σοφία (1982 – 1965)
Φοίτησε στη Σχολή Καλών Τεχνών (1903 – 1907), με δασκάλους τους Κωνσταντίνο Βολανάκη, Γεώργιο Ροϊλό, Νικηφόρο Λύτρα και Γεώργιο Ιακωβίδη, ενώ μαθήτευσε επίσης κοντά στο Σπυρίδωνα Βικάτο. Στη δεκαετία 1897 – 1907, σπουδάστρια ακόμη, πήρε μέρος σε πολλές σημαντικές καλλιτεχνικές εκθέσεις, του Ζαππείου, της Εταιρείας Φιλοτέχνων και του «Παρνασσού», καθώς και στη Διεθνή Έκθεση των Αθηνών του 1903. Το 1906 παρουσίασε έργα της μαζί με τη Θάλεια Φλωρά και το 1907 ατομική έκθεση στον «Παρνασσό». Με υποτροφία του Μπόζειου Κληροδοτήματος ολοκλήρωσε τις σπουδές της στο Μόναχο, όπου πήρε ελεύθερα μαθήματα και φοίτησε στη Σχολή Κυριών του Συλλόγου Καλλιτεχνιδών. Εγκαταστάθηκε αργότερα στο Παρίσι, σπουδάζοντας στις ακαδημίες Grande Chaumiere και Colarossi, και παρουσιάζοντας έργα στα επίσημα Σαλόν και σε ομαδικές εκθέσεις. Μετά την επάνοδό της στην Ελλάδα το 1916 συνέχισε την καλλιτεχνική και εκθεσιακή της δραστηριότητα. Στη θεματογραφία των έργων της περιλαμβάνονται ηθογραφικές σκηνές, προσωπογραφίες, νεκρές φύσεις και τοπία, που απέδωσε αξιοποιώντας τα διδάγματα του Ιμπρεσιονισμού.

Σοφία Λασκαρίδου: Η κόκκινη πόρτα

Σοφία Λασκαρίδου: Προσωπογραφία Νικηφόρου Λύτρα, 1903

Η Σοφία Λασκαρίδου με την παλέτα της, στο εργαστήριο των Δεσποινίδων της Σχολής Καλών Τεχνών

• Αρχική εικόνα «Η Κυρία του Σάλοτ» του John William Waterhouse»

Last modified: 08/03/2026